Program Physical Poetics

Physical Poetics #1

Physical Poetics propose une plateforme où arts, sciences et littérature se rencontrent. En 2018-2019, nous proposons à l’erg trois événements/expériences à couches multiples, selon un format particulier à chaque soirée. Notre objectif est de mettre en résonance des artistes, scientifiques, penseurs, écrivains, traducteurs et chercheurs tous domaines, qui développent un travail original, novateur et de grande qualité. Notre intérêt spécifique va à la création d’une plateforme de création et de recherche à Bruxelles, où nous souhaitons présenter des processus de travail à haute valeur poétique.

Physical Poetics #1 aura lieu le 4 octobre 2018 à 7 PM à l’Auditoire erg, rue du Page 87, 1060 Bruxelles.

Pour Physical Poetics #1, nous avons invité Giovanni Frazzetto (médecin et neuroscientifique, Irlande), Eva Meyer-Keller (performance artist, Berlin), Rares Craiut et Mana Constantinescu (food artists), et Gabriel Franjou (ergote radio, dj).

Giovanni Frazzetto

L’Art et la science des émotions

Ma participation à Physical Poetics est motivée par la rencontre entre arts et sciences, en vue de mieux comprendre nos émotions.

L’émotion se prête à une enquête transdisciplinaire car elle constitue un objet d’étude dans plusieurs domaines de la production du savoir. Elle est une réponse corporelle à des circonstances externes, tout comme une marque d’expression de soi ; elle investit les territoires de l’art, prend part à la langue, informe et émerge des cadres collectifs de conscience, et cela à travers les peuples, les temps et les contextes.

Dans mon intervention, je vais aborder ce qu’on peut apprendre des enseignements d’expériences dans le domaine de la psychologie et des neurosciences, tout comme ce que nous instruisent les savoirs et pratiques dans le domaine des arts et des sciences humaines pour pouvoir expérimenter notre vie émotionnelle.

En mélangeant des histoires et des expériences du laboratoire, je vais m’étendre sur la culpabilité, l’angoisse, la tristesse, la joie, l’amour et le phénomène de l’empathie. J’aborderai des problématiques comme la production d’images, la biographie et l’individualité, la créativité et la synchronicité, telles qu’elles apparaissent dans l’art du portrait, le cinéma, la philosophie, la photographie, la composition poétique, la performance, le théâtre et le design technologique.

° Giovanni Frazzetto a grandi en Sicile. Il a fait ses études à Londres et a obtenu un PhD du Laboratoire Européen en Biologie Moléculaire à Heidelberg. Il a travaillé sur les rapports entre sciences, arts et sciences humaines, et a été chercheur au Berlin Institue for Advanced Studies. Son premier livre, How We Feel (Comment nous sentons), a été sélectionné parmi les meilleurs livres en Psychologie par Guardian en 2013 et a été publié en plus de 12 pays. Il est aussi l’auteur de Together, Closer : Stories of Intimacy in Friendship, Love and Family (2018).

Eva Meyer-Keller

Peser les perspectives

Dans cette lecture performance, je voudrais partager ma recherche artistique récente dans le domaine de la biologie moléculaire. Je prévois de performer certains éléments en live, de montrer des extraits de vidéo et de photos, ainsi que de parler au sujet des histoires, questions et observations rencontrées jusqu’à présent.

Mon travail a examiné en profondeur le rapport entre arts et sciences. Je les comprends comme des approches spécifiques en vue de tester et d’évaluer le monde autour de nous. Je suis convaincue qu’une approche intuitive, qui naît au milieu même des choses ─ matérielles et physiques –, peut créer par voie expérimentale du savoir alternatif dans le sens plein du mot, et que des systèmes, des constructions et des modèles scientifiques sont plus proches de la spéculation ou de la performativité qu’ils ne le semblent à première vue.

En tant que non-initiés, nous savons en général très peu sur la façon dont le savoir est généré dans le champ de la biologie moléculaire, comment les choses sont observées, ou quelle est la nature précise des expériences. Dans ce vide, nos idées sont influencées soit par des discours autour de l’innovation et de l’optimisation, soit par des dystopies futuristes (autour du clonage par ex). Ma présentation souhaite créer un espace sensoriel en vue d’expérimenter, de poser des questions et d’intensifier la conscience de ce que nous faisons quand nous essayons de comprendre ‘la vie’.

Je m’intéresse à la nature haptique et à la matérialité de leur environnement professionnel. Leur expérience concrète et sensorielle est indispensable à notre transposition enjouée d’environnements de recherche, et je prévois de mettre en contraste les conditions délibérément stériles et objectives du labo, et nos conditions rudes, sales et basiques de la scène. Je me propose également d’observer les procédures qui déterminent comment le matériel biologique est préparé avant d’être observé à travers le microscope. Je vais traduire des procédures en utilisant des matériaux quotidiens. À travers ce type d’investigations absurdes, un savoir non espéré pourrait être obtenu.

° Eva Meyer-Keller (*1972) vit et travaille à Berlin. Elle travaille à l’interface de la chorégraphie, la performance et les arts visuels, et a une fascination pour les sciences naturelles et les approches transdisciplinaires. Son travail artistique se caractérise par une attention méticuleuse au détail. Eva utilise souvent des objets quotidiens, trouvés chez elle, au supermarché ou dans la cabane de jardin, ce qui donne à son travail une esthétique obsessive et domestique. Sa méthode de travail est marquée par une négation constructive de toute sorte de frontière entre les arts visuels et performatifs. Durant son parcours artistique, Eva a développé un nombre de performances solos et en groupe, tout comme des formats prévus pour des expositions, installations, films et workshops. Elle développe ses projets seule, ou en collaboration avec d’autres artistes.

Rareș Augustin Crăiuț

Anximentara

Durant la dernière décennie du socialisme roumain, la majeure partie de la population partageait et contribuait à une sensation généralisée d’angoisse. D’une part, il y avait des pénuries constantes de nourriture, de chauffage, d’électricité, etc… D’autre part, la Roumanie comptait parmi les états policiers les plus stricts, armé d’une police secrète qui donnait l’impression d’être présente partout, de sorte que n’importe quelle plainte ─ publique ou privée ─ pouvait avoir d’énormes conséquences, de la prison à pire.

« Alimentara » était le nom du système de magasins de distribution de nourriture. Centralisés et appartenant à l’Etat, ils étaient souvent vides, ou offraient seulement quelques (et toujours les mêmes) produits dont tout le monde avait marre. Ils formaient un réseau de magasins semi-vides pleins de jars, dont tout le monde devenait malade, mais qui pourraient éventuellement offrir du soulagement dans l’absence de tout autre chose. Les vendeurs de ces magasins, disposant de beaucoup de temps et avec des jars dans leurs mains, construisaient des structures et des dispositifs élaborés. Des rayons et des rayons de jars, construits les uns sur les autres, rappelant à chacun que le temps dans les régimes socialistes/communistes était immuable. Une sérialité qui n’annonçait jamais quelque chose de bien, que ce soit à manger ou autre chose.

La fenêtre « Alimentara » émerge comme un dispositif d’angoisse liée à la nourriture. L’occupation maniacale de construire des dispositifs de nourriture à partir de jars, revient à une sorte de thérapie occupationnelle qui remplace la nourriture d’angoisse ou d’autres mécanismes copiant l’angoisse. Des totems de jars socialistes à la sauce de tomates, renvoyant à des frustrations ou des angoisses alimentaires. Des jars liés au temps de l’angoisse.

° Rares Augustin Craiut est un chercheur artistique, performeur, chef et représentant de la société civile. Il a étudié le théâtre en Roumanie à l’Université de Babes-Bolyai, puis la performance et la recherche artistique à a.pass à Bruxelles. Son travail est pour la majeure partie lié à la nourriture et la performance, développant de nouveaux modes de se nourrir, et de nouvelles façons de percevoir l’alimentation depuis une perspective responsable. Depuis 2013, Rares développe une recherche artistique intitulée ‘’performing food’’ (www.performingfood.com), qui examine la consommation de nourriture à travers l’expérimentation artistique et la cuisine, depuis des points de vue à la fois matériels et conceptuels.

Maria-Elena Constantinescu

Guilt Portraits

La culpabilité est la base de l’éducation et de la morale judéo-chrétienne. Utilisée par les médias et amplifiée par les réseaux sociaux, le sentiment de culpabilité nous affecte dans beaucoup de domaines, notamment dans tout ce qui touche au plaisir en général, et à l’alimentation en particulier. Mana transforme des entretiens, des fragments de textes et des monologues cinématographiques en une expérience multisensorielle en résonance avec le vécu des participants. Guilt est un travail qui prolonge le projet du Comfort Food Continuum, mais dans une perspective opposée. La performance se déroulera dans un espace à la fois intime et public, où l’audience sera invitée à se (dé)couvrir et analyser la culpabilité en lien avec la nourriture.

° Née à Bucarest, Mana vit et travaille à Bruxelles depuis 1992. Après des études aux Beaux-Arts, elle commence à travailler comme illustratrice et directrice artistique. Depuis les années 2000, elle développe un lien de plus en plus profond avec le « food » comme médium, à travers la photo, le stylisme, le food design et la direction artistique culinaire. Éclectique et curieuse, Mana explore les rapports intimes entre la nourriture, les rituels de préparation et de consommation, la mémoire et l’affect. Elle a collaboré aux ateliers OLP (objet littéraire plastique), à la scénographie de boxes culinaires de chefs (Culinaria), à la création d'un pop-up restaurant « Bruxelles, l'immigration et leurs cultures culinaires » . Elle a créé une installation gustative au magasin Relax Factory (Design September). En 2016, elle a participé avec Rares Craiut et Xavier Gorgol au projet artistique, social et poétique Comfort Food Continuum, à Baia Mare en Roumanie.

Gabriel Franjou

Ergote Radio propose dans un premier temps un soundscape pour accompagner la conférence, une postproduction de l'album Providence de Nathan Fake sorti en 2017, dont les thèmes, les sons électriques et grouillants, et la profonde force émotionnelle seront récupérés. Puis, dans un second temps, une sélection de sons et musiques qui joue avec les codes de la chanson émotionnelle."

Jeudi 4 octobre 2018 Audi erg, rue du Page 87, Ixelles 7-10 PM

Physical Poetics #1 est un programme proposé par Alexander Schellow et Elke de Rijcke, soutenu par l’erg.

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Physical Poetics : Program #1

Physical Poetics offers a platform where practices within the arts, science and literature step in resonance towards each other. In 2018-2019, we propose three events / multi-layered experiences, unfolding each time as a particular format. Our goal is to bring together artists, scientists, thinkers, writers, translators and researchers from various fields, who develop for this occasion original propositions. Our interest lies in the creation of a particular place for practice and research in Brussels, where we wish to produce and present working processes with a specific poetic value.

Physical Poetics # 1 will be held on October 4, 2018 at 7 PM at the Auditorium of the erg, rue du Page 87, 1060 Brussels.

For Physical Poetics # 1, we invited Giovanni Frazzetto (doctor and neuroscientist, Ireland), Eva Meyer-Keller (performance artist, Berlin), Rares Craiut and Mana Constantinescu (food artists, Romania/Belgium), and Gabriel Franjou (ergote radio / dj, Belgium).

Giovanni Frazzetto

The Art and Science of Emotions

The overarching background to my participation in Physical Poetics is the encounter between art and science for the understanding of emotions. Emotions lend themselves to transdisciplinary inquiry and enjoy manifold citizenship across territories of knowledge production. Emotions are bodily responses to external circumstances as well as outcomes of self-expression; they permeate art, partake of language, and inform as well as emerge from collective framings of consciousness, across peoples, time and contexts. I will be addressing the question of what we can learn to experience our emotional life, by simultaneously drawing insights from experimentation in psychology and neuroscience and from knowledge and practice in diverse fields in art and the humanities. Mixing storytelling with experience from the laboratory, I am going to tell of emotions such as guilt, anxiety, grief, joy, love and the phenomenon of empathy, addressing themes such as image production, biography and individuality, creativity and synchronicity, in portraiture, film, philosophy, photography, poetical composition, as well as performance, theatre and technological design.

° Giovanni Frazzetto grew up in Sicily. He went to college in London and received a PhD from the European Molecular Biology Laboratory in Heidelberg. He has worked on the relationship between science, art and the humanities and was a Fellow at the Berlin Institute for Advanced Study. His first book, How We Feel, was among the 2013 Guardian Best Psychology Books and has been published in more than a dozen countries. He is also the author of Together, Closer: Stories of Intimacy in Friendship, Love and Family.

Eva Meyer-Keller

Pondering Perspectives

In this performance lecture I will share my artistic research of the last month into molecular biology. I plan to perform some elements live, show video excerpts and photographs and talk about the stories, questions and observations that I encountered so far. My work has long examined the relationship between art and science. I understand both as specific ways of testing and evaluating the world around us. I am convinced that an intuitive approach, which begins in the realm of things – material and physical – can create alternative knowledge ‘experimentally’, in the full sense of the word and that scientific systems, constructs and models have more to do with speculation and performativity than is obvious at first sight. As lay people, we usually know very little about how knowledge is generated in the field of molecular biology, how things are actually observed or what the nature of the experiments concretely are. In this vacuum, our ideas are influenced either by discourses around innovation and optimisation or futuristic dystopias (around cloning, for example). My presentation would like to provide a sensory space to experience, ask questions and to raise awareness of what we do when we try to understand ‘life’. I am interested in the haptic nature and materiality of their professional environment. Their concrete, sensory experience is indispensable to our playful transposition of research environments, contrasting the deliberately sterile, objective conditions of the lab with our rough, dirty, basic conditions on stage. I will e.g. look at procedures how biological material is prepared before it is even looked at through a microscope. I’m committed to translate these procedures using everyday materials. Through this kind of absurd investigation a yet unexpected knowledge might be obtained.

° Eva Meyer-Keller (*1972) lives and works in Berlin. She works at the interface of choreography, performance and visual art and has a fascination for natural sciences and trans-disciplinary approaches. Her artwork is distinguished by its meticulous attention to detail. Eva often uses everyday objects from her immediate surroundings, things that she finds at home, in the supermarket or in the toolshed. This lends the work an obsessive, domestic aesthetic. Her working method is marked by a constructive disregard for the imposition of any boundary between visual and performing arts. Throughout her artistic career, Eva has developed a number of solo and group performance pieces, as well as exhibition, installations, films and workshop formats. Eva develops projects alone and in collaboration with other artists.

Rareș Augustin Crăiuț

Anximentara

During the last decade of Romanian socialism most of the population was sharing and contributing to a generalised sense of anxiety. On the one hand there were all the food, heat, electricity etc. shortages, and on the other hand Romania was one of the heaviest policed states, with the secret police giving the impression that they are everywhere and anywhere and any complaint, public or private, could have severe results, from jail time to even worse.

« Alimentara » was the state owned, centralised, food distribution shop system and was very often empty or with the same few products that everyone had grown tired of. A network of semi-empty stores full of jars that everyone had grown sick and tired of but which would eventually provide solace in the absence of anything else. With a lot of time and jars on their hands the shop sellers built elaborate structures and displays. Rows and rows of the same jars, built on top of each other, reminding everyone that time in socialism/communism is the same and forever. A seriality that never announced anything good, to eat or otherwise.

The « Alimentara » window emerges as a food related anxiety display. The maniacal occupation of building up the food display out of jars stands for a kind of occupational therapy replacing anxiety eating or other anxiety coping mechanisms. Socialist pop tomato paste jar totems of food frustrations and anxiety. Anxiety-time-jars.

° Rareş Augustin Crãiuţ is an artistic researcher, performer, chef and civil society representative. He studied theatre in Romania at the Babes-Bolyai University and performance and artistic research at a.pass in Brussels. His work is mostly related to food and performance the possibilities opened up to developing new modes of eating and new ways of perceiving food from a responsible perspective. Since 2013 Rares is working on developing a food and performance artistic research titled ‘’performing food’’ (www.performingfood.com) examining through artistic experimentation and cuisine the consumption of food from both material and conceptual points of view.

Maria-Elena Constantinescu

Guilt Portraits

Guilt is the basis of Jewish-Christian education and morality. Used by the media and amplified by social networks, the feeling of guilt affects us in many areas, including those related to pleasure in general, and to food in particular.

Mana transforms interviews, text fragments and film monologues into a multisensory experience that resonates with the experiences of the participants. "Guilt" is a work that extends the "Comfort Food Continuum", but from an opposite perspective. The performance will take place in a space that is both intimate and public, and the audience will be invited to discover and reflect the culpability of the food.

° Born in Bucharest, Mana has lived and worked in Brussels since 1992. After studying Fine Arts, she began working as an illustrator and artistic director. Since the 2000s, she has developed a deeper link with food as a medium, through photography, fashion design, food design and culinary art direction. Eclectic and curious, Mana explores the intimate relationships between food, rituals of preparation, consumption, memory and affect. She has collaborated with the OLP workshops (plastic literary object), with the scenography of culinary boxes of chefs (Culinaria), with the creation of a pop-up restaurant "Brussels, immigtation and their culinary cultures”. She created a taste installation at the Relax Factory store (Design September). In 2016, she participated with Rares Craiut and Xavier Gorgol within the artistic, social and poetic project "Comfort Food Continuum", taking place in Baia Mare, Romania.

Gabriel Franjou

Ergote Radio offers a sound component to the conference, first a selection of emotionally charged sounds in response to the words of Giovanni Frazzeto, and secondly an acoustic animation of the evening.

° Gabriel René Franjou, French-American, enters the erg in 2014. His practice questions the nature and the value of affects in the digital world.

Thursday October 4th 2018 Audi erg, rue du Page 87, Ixelles 7-10 PM

Physical Poetics # 1 is a program proposed by Alexander Schellow and Elke de Rijcke, supported by the erg.

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Dates : mercredi 14 novembre : Audi Page, 19h-22h Nombre de participant.e.s : non précisé Enseignant.e.s responsables : Elke de Rijcke & Alexander Schellow. inscripition : elke.derijcke@gmail.com

Dans cette seconde soirée de Physical Poetics, nous vous invitons à découvrir trois intervenants issus de champs différents qui, chacun à leur manière, se rapporteront à la problématique du plagiat, la citation et l’auto-citation. Stéphane Bouquet, poète et essayiste, s’arrêtera dans sa lecture-conférence Comme dit l’autre… au statut de la citation et de ses dérivés en littérature. Daniel Linehan, chorégraphe (Hiatus), proposera dans Réfléchir sur un Corps de Travail une chorégraphie sur les traces de mouvements de danses (citées, tronquées, imaginées), restées dans son corps après 15 ans de performances. Daniel Dariel, musicien, s’engagera de son côté dans un concert sur le rapport au plagiat. Le tout sera arrosé vers la fin par un verre de mojito, aussi bien que possible plagié.

Physical Poetics #2

plagiat, auto-plagiat, citation, auto-citation

Stéphane Bouquet

Comme dit l’autre…

Qu’est-ce qu’une trace en littérature ? Qu’est-ce qui fait trace et comment et pourquoi ? Cette lecture proposera de s’arrêter quelques instants sur le statut de la citation. Aujourd’hui s’est développée une sacro-sainte terreur - très individualiste, et très petit propriétaire – du plagiat. Recopier un autre, c’est mal paraît-il. Des gens perdent leur travail, à cause du plagiat. Je trouve cela terrible et terrifiant. Comme si recopier les phrases d’un autre, ce n’était pas à sa façon penser, inventer, réécrire. Je pratique peu le plagiat dans mes textes (enfin je crois) mais beaucoup la citation qui est une autre forme de plagiat, surtout si les citations sont apocryphes (on attribue à quelqu’un une phrase qu’il ou elle n’a jamais dite) ou si – comme cela m’arrive parfois et volontairement – on oublie de mettre des guillemets. Walter Benjamin rêvait de les oublier toujours, il rêvait de supprimer les guillemets.

De toute façon, si l'on était vraiment conséquent, il serait après tout possible de mettre des guillemets autour de tous les mots parce qu’après tout tous les mots - à l’exemption des néologismes – ont déjà été dits. Bref pourquoi citer, pourquoi vouloir citer ? Pourquoi vouloir accumuler des traces des autres dans sa voix, dans son corps ?

Cette lecture-conférence (mixte comme son nom l'indique de lecture et de conférence) proposera quelques pistes de réponses.

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Stéphane Bouquet a publié plusieurs livres de poésie chez Champ Vallon (Les derniers en date, Les Amours suivants et Vie commune, Champ Vallon, 2013 et 2016). Il a proposé une traduction de divers poètes américains dont Paul Blackburn, James Schuyler et Peter Gizzi. Son tout dernier livre paraît en avril 2018 : La Cité de Paroles, méditations sur la poésie dans la collection « en lisant, en écrivant » de José Corti. Il est par ailleurs co-scénariste après avoir été longtemps critique aux Cahiers du cinéma. Il a publié des études sur Clint Eastwood, Gus Van Sant, Eisenstein et Pasolini. Il a participé – en tant que danseur ou dramaturge – aux créations chorégraphiques de Mathilde Monnier, Déroutes (2002) et frère&sœur (2005). Et collabore régulièrement au théâtre avec Robert Cantarella.

Daniel Linehan

Réfléchir sur un Corps de Travail

Dans cette performance, je me propose de partager une version en construction de Corps de Travail, un solo que je développe en ce moment et où je revisite du matériau de danse de performances réalisées ces 15 dernières années. Ma méthode consiste à éviter de revoir des vidéos ou de la documentation sur mon travail, mais de permettre aux traces qui perdurent dans mon corps de m’adresser la parole. Comment les traces des danses du passé vivent dans mon corps aujourd’hui ? J’œuvre à créer une chorégraphie qui prend en compte le passage du temps, qui reconnaît que le passé est toujours profondément inscrit dans le moment présent. L’idée n’est pas de re-jouer les performances du passé comme elles étaient, mais de permettre à mon matériau de danse de se modifier, tout comme mon corps s’est modifié, et d’ouvrir ainsi à de nouvelles combinaisons de gestes et de textes en vue de déclencher de nouvelles associations. Le solo prend la forme d’un souvenir à angles doux, à hiatus où des mouvements ont été oubliés, à distorsions où des mouvements ont été mal ressouvenus ou ré-imaginés. Dans ma réflexion sur mes 15 ans de création de performances de danse, je pense aux deux personages du poème Dusting de Julia Alvarez. Il y a la fille qui trace tous les matins son nom dans la poussière, et la mère qui enlève la poussière. Ne suis-je pas ces deux personages en même temps ? Dans cet art éphémère nommé danse, ne suis-je pas celui qui écrit à chaque fois à nouveau son nom dans la poussière, et celui qui à chaque fois à nouveau enlève la poussière ? C’est ainsi que je conçois la création de ce solo. Je collecte les restes poussiéreux de mes chorégraphies passées et les reconstitue en de nouvels ensembles où quelque chose s’ajoute à ce qui n’a pas encore été dit auparavant.

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Daniel Linehan (1982) a étudié la danse à Seattle, puis s’est installé en 2004 à NY où il a travaillé professionnellement comme danseur et chorégraphe. En 2008, Linehan s’installe à Bruxelles, où il complète son cycle de recherche à P.A.R .T.S et établira sa compagnie de danse Hiatus. Le travail chorégraphique de Daniel Linehan se propose d’effacer subtilement la frontière entre la danse et toute autre type d’activité. Il aborde la création d’une performance du point de vue d’un amateur curieux, teste plusieurs types d’interactions entre formes de danse et non-danse, va à la recherche de conjonctions, de juxtapositions inattendues et de parrallèles entre textes, mouvements, images, chansons, vidéos et rythmes. Ses œuvres récentes créées en Belgique incluent Un Sacre du Printemps (2015), dbddbb (2015), Flood (2017) et Third Space (2018). Depuis 2015, Hiatus est soutenu par les autorités flamandes. Daniel Linehan est Creative Associate au Singel International Art Campus 2017-2021.

Daniel Dariel

Concert : "ma chambre est au troisième"

(La parole est en surface, et le geste comme en profondeur) - tout ceci est joué et se joue "très vite". Il y a comme (comme encore) lieu d'exercer un double jeu; celui de la description d'un paysage, causé par les figures ou personnages que l'on y ferait cohabiter (un jeu d'acteurs) - et celui d'une forme musicale qui en accompagne les monologues interposés, et en lie les sautes de syntaxes (avec toute l'affection du monde). Ces personnages, ou figures, sont au demeurant non-identifiés. Les attributs (de gestes, de paroles) qui viendront les envelopper nous donneront certainement une idée de leur volume, dans le semblant de présence que l'on pourra leur accorder parmi nous (des corpus d'images). Il y a une séparation inconciliable entre ces "jeux"; ils se miment l'un l'autre, le corps et la narration, et en voulant se rendre présent ensemble ne parviennent souvent qu'à se défaire. Et non, c'est tant mieux (jusqu'ici, tout va bien).

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Daniel Dariel est artiste et musicien inclassable. Il a obtenu récemment son degré de Master à l’erg.

suivi d’un drink, plagiat d’un cocktail réputé (sld Tom Valckenaere)

mercredi 14 novembre 2018 Audi erg rue du Page 87, Ixelles 7-10 PM

Physical Poetics # 2 est un programme proposé par Alexander Schellow et Elke de Rijcke, soutenu par l’erg.

Stéphane Bouquet

As the other one says....

What is a trace in literature? What inscribes a trace and how and why? This reading will propose to reflect on the status of quotation. Today, a sacrosanct terror has developed - very individualistic, and very ‘little small property owner’ - the one of plagiarism. It seems wrong to copy the other. People lose their jobs because of the plagiarism. I find it terrible and terrifying. As if copying sentences from another person, wasn't a particular way of thinking, inventing, rewriting. I practice little plagiarism in my texts (well, I think) but quote a lot, which is another form of plagiarism, especially if the quotations are apocryphal (we attribute to someone a sentence that he or she has never said) or if - as I sometimes and voluntarily do - we forget to put quotation marks. Walter Benjamin dreamed of forgetting them forever, he dreamed of removing the quotation marks.

In any case, if we were really consistent, it would after all be possible to put quotation marks around all the words because finally all the words - with the exception of neologisms - have already been said. In short, why quote, why want to quote? Why do you want to accumulate traces of others in your voice, in your body?

This lecture-conference (mixed as its name suggests, reading and conference) will offer some possible answers.

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Stéphane Bouquet has published several books of poetry at Champ Vallon (The last ones : Les Amours suivants and Vie commune, Champ Vallon, 2013 and 2016). He proposed translations of various American poets including Paul Blackburn, James Schuyler and Peter Gizzi. His latest book was published in April 2018: La Cité de Paroles, meditations on poetry, published within the collection en lisant, en écrivant by José Corti. He is also collaborator in scriptwriting, after having been a critic for a long time at Cahiers du cinéma. He has published studies on Clint Eastwood, Gus Van Sant, Eisenstein and Pasolini. He has participated - as dancer or dramaturge - in the choreographic creations of Mathilde Monnier, Déroutes (2002) and frère&sœur (2005). Within the field of theatre, he regularly collaborates with Robert Cantarella.

Daniel Linehan

Reflecting on a Body of Work

In this performance, I will share a work-in-progress version of Body of Work, a solo I am currently developing in which I re-visit dance material from performances that I have made during the past 15 years. My method is to avoid looking at videos and documentation of my work and to allow the traces that still remain in my body to speak back to me. How do these traces from my past dances exist in my body today? I am working to create a choreography of the passage of time, which recognizes that the past is always very much inscribed in the present. The idea is not to re-play the past performances exactly as they were, but to allow my dancing material to change, just as my body has changed, and to allow new combinations of gestures and text to spark new associations. The solo takes on the form of a memory, with soft edges, and gaps where movements have been forgotten, and distortions where movements have been mis-remembered or re-imagined. In my reflection on my 15 years of creating dance performances, I think of the two characters in Julia Alvarez’s poem “Dusting.” There is the daughter who signs her name in the dust each morning and the mother who wipes the dust away. Am I not both of these characters? In this fleeting art form called dance, am I not the one who again and again signs his name in the dust, as well as the one who, again and again, wipes the dust away? This is how I conceive of the creation of this solo. I collect the dusty remains of my past choreographies and I re-constitute them into new entities with something further to say, something which remained unsaid before.

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Daniel Linehan (1982) first studied dance in Seattle and then moved to New York in 2004, where he worked professionally as a dancer and choreographer. In 2008, Linehan moved to Brussels where he completed the Research Cycle at P.A.R.T.S. and where he later established his dance company, Hiatus. Linehan’s choreographic work is intent on softly obscuring the line that separates dance from everything else. He approaches performance-making from the point of view of a curious amateur, testing various interactions between dance and non-dance forms, searching for unlikely conjunctions, juxtapositions, and parallels between texts, movements, images, songs, videos, and rhythms. His recent works created in Belgium include Un Sacre du Printemps (2015), dbddbb (2015), Flood (2017), and Third Space (2018). Since 2015 Hiatus has been supported by the Flemish authorities. Daniel Linehan is a Creative Associate at deSingel International Arts Campus 2017-2021.

Daniel Dariel

Concert : "my room is on the third"

(The word is on the surface, and the gesture as in depth) - all this is played and plays itself "very quickly". There is (still is) a need to play a double game : that of describing a landscape, caused by the figures or characters that one would make there cohabit (a set of actors) - and that of a musical form that accompanies its interposed monologues, and links the syntax jumps (with all the affection of the world). These characters, or figures, are unidentified. The attributes (of gestures, words) that will surround them will certainly give us an idea of their volume, in the semblance of a presence that we can give them among us (corpuses of images). There is an irreconcilable separation between these "games"; they mimic each other, the body and the narrative, and by wanting to make themselves present together often only manage to desintegrate. And no, that's good (so far, so good).

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Daniel Dariel is an unclassifiable artist and a musician. He obtained recently his Master degree at the erg.

followed by a drink, plagiarism of a famous cocktail (odo Tom Valckenaere)

wednesday november 14th 2018 Audi erg rue du Page 87, Ixelles 7-10 PM

Physical Poetics # 2 is a program proposed by Alexander Schellow and Elke de Rijcke, supported by the erg.

Physical Poetics #3

zombie states Wednesday February 6th 2019

David Weber-Krebs The Guardians of Sleep

David Weber-Krebs

Le corps est vulnérable quand il dort. Une sensation de sécurité et de paix nous aide chaque nuit à nous retirer du monde. Dans le passé, on considérait que le Monarque avait le devoir de protéger ses sujets dormants des dangers nocturnes. Aujourd’hui, il y a d’autres formes de protection sociale. Mais que se passe-t-il si celles-ci soudainement se délabrent ? Avec The Guardians of Sleep, David Weber-Krebs crée un microcosme frémissant et intense à l’intérieur des coordonnées spatiales et temporelles du théâtre. Six performeurs dévoilent plusieurs niveaux d’intimité. Des rapports ambivalents entre lumière et obscurité, activité et passivité, regarder et être regardé vibrent les uns avec et contre les autres. Jusqu’où va le sentiment de responsabilité envers quelqu’un qu’on ne connaît pas ? Quand est-ce que l’activité de regarder une personne passe à la surveillance de celle-ci ? Quand est-ce le fait de prendre soin d’une personne change en rapport de force ? Un regard demeure souvent à la surface des choses. On peut seulement deviner ce qui se passe dans la tête de quelqu’un qu’on observe dormir.

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David Weber-Krebs (B/D) est un artiste et chercheur vivant à Bruxelles. Il crée des performances et des installations. Il a étudié à l’Université de Fribourg (CH) et à The Amsterdam School of the Arts (NL). David explore différents types de contextes servant de base à un processus expérimental qui questionne le rapport traditionnel entre l’œuvre d’art et son public. Récemment, il a créé pour le théâtre les performances Tonight, lights out! (2011/2013), Balthazar (2015) et The Guardians of Sleep (2017), ainsi que les installations Immersion (2014) au Weltkulturen Museum à Frankfurt, et The Earthly Paradise (2017) au Museum für Neue Kunst à Freiburg. David collabore régulièrement avec différents artistes et théoriciens, et enseigne à plusieurs académies d’arts visuels et de performance.

DAVID WEBER-KREBS The Guardians of Sleep While sleeping, the human body is vulnerable. A feeling of security and peace helps us every night to withdraw from the world. In times past it was considered the task of the absolute ruler to protect his sleeping subjects against nocturnal dangers. Nowadays there are other forms of social protection. But what happens when these suddenly fall apart?

With The Guardians of Sleep David Weber-Krebs creates a quivering and intense microcosm within theatre’s coordinates of time and space. Six performers disclose various levels of intimacy. Ambivalent relations between light and dark, activity and passivity, looking and being looked at resonate with and against one another.How responsible can you feel towards someone you don’t know? When does the activity of looking at someone turn into watching over that person? When does caring for someone become a power relation? A look often stays on the surface of things. We can only guess what happens inside the head of the one we watch sleeping.

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David Weber-Krebs (BE/D) is an artist and a researcher based in Brussels. He studied at the University of Fribourg (CH) and the Amsterdam School of the Arts (NL). David explores various contexts as a basis for an experimental process, which questions the traditional relationship between the work of art and its public. Recent works for theatres are the performances Tonight, lights out! (2011/2013), Balthazar (2011/2015) and The Guardians of Sleep (2017), and the installations Immersion (2014) at the Weltkulturen Museum, Frankfurt and The Earthly Paradise (2017) at Museum für Neue Kunst, Freiburg. David collaborates on a regular basis with different artists and theorists and he teaches at different visual arts and performance academies. http://davidweberkrebs.org/

Léonard Dufois Electric noise, autour du corps électronique (NO DANGER)

L’intervention consiste à réaliser une installation qui relie un courant électronique émis par une machine à une série de tuyaux en acier, ce qui sera perceptible et amplifié à l’aide de plusieurs micros contacts et autres modules. Nous tenterons d’évoquer le corps et les impulsions organiques qui régissent notre fonctionnement dans une pièce sonore et percussive jouée sur ce dispositif. Ce projet est de l’ordre de la musique bruitiste, crée une corrélation entre l’objet industriel et l’être humain.

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Léonard Dufois est un jeune musicien étudiant le graphisme à l’erg. Batteur de formation, il ne cesse de questionner les corrélations possibles entre ces différents domaines. Il s’intéresse à la technique du son, et tout particulièrement à l’enregistrement, la spatialisation et les musiques électroniques en essayant de réaffilier cette pratique dans des dispositifs d’installation et d’immersion. Il monte actuellement un label de musique électronique avec deux amis, Maison bleue records, dans lequel il produit sous le nom de GOLF AZUR, ce qui lui permet de penser la médiation, la communication et l’éditorial dans le domaine musical.

Léonard Dufois Electric noise, around the electronic body (NO DANGER) The intervention consists in creating an installation that connects an electronic current emitted by a machine to a series of steel pipes, which will be perceptible and amplified by means of several micro-contacts and other modules. We will try to evoke the body and the organic impulses that govern our functioning in a sound and percussive piece played on this device. This project follows a register of noise music, creating a correlation between the industrial object and the human being.

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Léonard Dufois is a young musician studying graphic design at the erg. A trained drummer, he never ceases to question the possible correlations between these different fields. He is interested in sound technology, particularly recording, spatialization and electronic music, trying to reintegrate this practice into installation and immersion devices. He is currently setting up an electronic music label with two friends, Maison bleue records, in which he produces under the name of GOLF AZUR. A process, which allows him to think about mediation, communication and the editorial in the musical field.

Nicolas Prignot Sentir les ondes, prouver une maladie : autour de l’électrosensibilité.

Nicolas Prignot

Depuis plusieurs années, les ondes électromagnétiques ont envahi nos quotidiens sous des formes nouvelles, puisqu’elles nous servent désormais à communiquer à l’aide de téléphones portables. L’infrastructure que ceux-ci requièrent a connu de multiples oppositions, des collectifs de défense du paysage à ceux qui craignent que les ondes ne deviennent responsables de cancers. Les messages des autorités et des opérateurs se veulent pourtant rassurants : aux niveaux de puissance utilisés, il serait impossible que ces ondes interagissent avec les corps humains et les rendent malades. Pourtant, si l’épidémie de cancers du cerveau ne semble pas se déclarer avec une ampleur massive, certains souffrent des ondes aujourd’hui même, ce sont les électrosensibles, les malades des ondes. Leur souffrance n’est pas contestée, mais l’origine de celle-ci l’est bien : certains prétendent qu’il ne serait pas possible de prouver un lien entre cette maladie et les ondes. La maladie fait l’objet d’une polémique dont l’enjeu est bien celui de la dangerosité des ondes en général pour la population. Dans cette intervention, nous reviendrons sur les tests que subissent les électrosensibles et les logiques scientifiques qui les sous-tendent, et sur cette exigence de "preuve" de la maladie. Nous montrerons que certains choix méthodologiques qui définissent l’électrosensibilité sont tributaires d’une histoire qui mérite d’être réinterrogée, car ils ne correspondent peut-être pas à la définition d’une « maladie ».

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Nicolas Prignot travaille sur les rapports entre maladies et environnement, et les problématiques de santé dont les origines, les définitions ou les traitements sont contestés. Il s’intéresse aux résonances entre les milieux et les maladies, et les manières dont ils entrent en rapport. Son travail de thèse de philosophie portait sur les malades des ondes électromagnétiques, les électrosensibles, faisant de cette situation dramatique un problème écologique qui demande une réarticulation et une redéfinition de ce que sont maladies, nature, et monde social. Nicolas Prignot enseigne à l’ERG et à Saint-Luc, et est chercheur au sein du Groupe d’études constructivistes (GECo) de l’Université Libre de Bruxelles. Il a récemment publié « Terres des villes, Enquêtes potagères de Bruxelles aux premières saisons du 21e siècle » portant sur les pratiques potagères à Bruxelles. Il est docteur en philosophie, mais également diplômé de SciencesPo Paris, du master SPEAP, ainsi que physicien.

Nicolas Prignot Feel the waves, prove a disease: around electrosensitivity. For several years, electromagnetic waves have invaded our daily lives in new forms, as they are now used to communicate by mobile phones. The infrastructure they require has been subject to multiple oppositions, from landscape defence collectives to those who fear that waves will become responsible for cancer. The messages from the authorities and operators are intended to be reassuring : at the intensity levels used, it would be impossible for these waves to interact with human bodies and make them sick. However, even if the brain cancer epidemic does not seem to be present on a massive scale, some people are suffering from the waves today – they are called the electrosensitives, the patients of the waves. Their suffering is not disputed, but the origin of it is: some claim it would not be possible to prove a link between this disease and the waves. The disease is the subject of a controversy whose stakes are the dangerousness of the waves in general for the population. In this intervention, we will come back to the tests that electrosensitive people undergo, the scientific logic behind them, and to the requirement of "proof" of the disease. We will show that some of the methodological choices that define electrosensitivity depend on a history that merits requestioning, as they may not fit the definition of a "disease". Nicolas Prignot works on the relationship between diseases and the environment, and on health issues whose origins, definitions or treatments are disputed. He is interested in the resonances between environments and diseases, and the ways in which they relate to each other. His thesis work in philosophy focused on patients suffering from electromagnetic waves, electrosensitives, making this dramatic situation an ecological problem that requires a rearticulation and redefinition of what diseases, nature, and the social world are. Nicolas Prignot teaches at the ERG and Saint-Luc, and is a researcher in the Groupe d'études constructivistes (GECo) of the Université Libre de Bruxelles. He recently published "Terres des villes, Enquêtes potagères de Bruxelles aux premières saisons du 21e siècle" on vegetable gardening practices in Brussels. He holds a PHD in philosophy, obtained a university diploma as a physicist, but also a master degree SPEAP at SciencesPo Paris.

Gosie Vervloessem Le Jardin d’horreur

Gosie Vervloessem

Le Jardin d’horreur est un workshop de recherche qui étudie le rapport entre l’être humain et les plantes. Ce workshop soulève une série de questions importantes. Que peut-on apprendre sur soi-même si on considère les plantes comme un “autre significatif”, et à quelles formes d’horreur cela peut-il conduire ? Que se passe-t-il lorsque les plantes percent à travers les murs de nos séjours? Gosie va à la recherche d’une réponse à ces questions, en consultant un nombre de films d’horreur où les plantes forment les protagonistes. C’est l’idée de colonisation qui traverse le workshop : colonisation de territoire par les humains et les plantes, colonisation d’organismes, de corps, d’esprits… Selon Vervloessem, il existe trois lieux où le rapport humain-végétal atteint un climax, là précisément où cette relation prend une forme sombre : la reserve naturelle, la plantation et le jardin botanique, des lieux qui ont un lien direct à un passé colonial. Des lieux où la relation entre humains et plantes semble devoir être clairement définie. C’est ce qui paraît, du moins. Mais en est-il bien ainsi ? Pour Physical Poetics #3, Gosie focalisera sur le jardin botanique à l’aide de quelques plantes qui défient notre mémoire, et questionnent ainsi la possibilité d’une archive. Des plantes qui nous font rêver, tomber en pâmoison et oublier. Attention ; ça risque de devenir bien crasseux.

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Gosie Vervloessem a fait des études en sciences sociales et en film expérimental. En tant qu’artiste performeuse, elle expérimente avec les lois de la physique à utilisation domestique. Dans son travail, elle observe des phénomènes naturels et les questionne. Tout semble logique, mais quelle est la logique qui s’y cache ? En 2014, le focus de l’oeuvre de Vervloessem s’est déplacé vers la question de la nourriture, la digestion et l’indigestion. Ceci a résulté en un nombre de lecture-performances, de labos ouverts et d’un magazine online, sur les processus lents, les amis et les ennemis invisibles, ainsi que sur la question d’hygiène et de contrôle dans la cuisine. L’interrogation sur la façon dont on se rapporte à un monde inclassifiable et chaotique, non hygiénique et sale, est devenue la problématique principale de son oeuvre. Récemment, Vervloessem a approfondi l’idée de la cuisine comme un sanctuaire et un terrain de jeu pour des hôtes non-invités. Dans sa recherche actuelle, elle invite des espèces invasives dans un environnement domestique. Elle s’y pose les questions suivantes : quelles sont les valeurs qui sous-tendent les écologies d’invasion, et comment celles-là peuvent-elles être appliquées ou abandonnées dans une recette de gâteau aux pommes ?

Gosie Vervloessem The Horror Garden The Horror Garden is an 'investigative workshop' about the relationship between people and plants and questions a number of important issues : What can we learn about ourselves if we consider plants as ‘significant other’ and to what forms of horror can this lead? What happens when plants break from the background of our living rooms? When looking for an answer to these questions, Gosie appeals to a number of horror films in which plants play the leading role. Colonisation runs like a thread through the workshop: colonisation of territory by humans and plants, colonisation of organisms, bodies and spirits, ... According to Vervloessem, there are three locations where the human-vegetal relationship reaches a climax, i.e. where the relationship between humans and plants takes on a grim form: the nature reserve, the plantation and the botanical garden, places with a direct link to a colonial past. Places in which the relationship between people and plants seems to be clearly defined. At least that's how it seems. But is that also the case? For Physical Poetics#3 Gosie will focus on the botanical garden with the help of some plants that challenge our memory and thereby question the possibility of an archive. Plants that make us dream, swoon and forget. Beware; It could get slightly messy.

Gosie Vervloessem studied social science and experimental film. As a performance artist, she experiments with the laws of physics for domestic use. Her work focuses on observing natural phenomena and asking questions about it. Everything seems so logic, but what is the logic behind it? In 2014 the focus of Vervloessem’s work shifted to eating, digestion and indigestion. It resulted in lecture performances, open labs and an online magazine about slow processes, invisible friends and foes, about hygiene and control in the kitchen. How to relate to an unclassifiable world that is chaotic, unhygienic and messy? became the main topic in her work. Recently Vervloessem has been pushing the idea of the kitchen as a sanctuary and a playground for uninvited guests further. Her current research invites invasive alien species in a domestic setting. What are the values that underpin invasion ecologies, and how can they be applied or denied in baking an apple pie? www.recipesfordisaster.be https://www.wpzimmer.be/default.asp?path=bbl03pjt

Ecole de Recherche Graphique Rue du page, 87 – Grand Auditoire RDC 1050 Bruxelles Mercredi 6 Février 2019 7-10 PM

ATTENTION : La soirée commence à 7 PM précises !

Physical Poetics est un programme soutenu par l’erg.

Programmation : Elke de Rijcke et Alexander Schellow Artistes : Léonard Dufois, Nicolas Prignot, Gosie Vervloessem, David Weber-Krebs Coordination technique : Hélène Bernard et Frédéric Dupont

Physical Poetics #4

MICRO-GRAVITIES

Erg Galerie et Auditorium

Mercredi, 19 Février 2020, 7:00 pm

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Olfa Lopez : Objet de l’espace

The fascination of humankind for space has driven us to wonder, reflect and create for as long as humans can remember. It is now pushing us to broaden our reach into space. In this quest, the new environments we discover are forcing the frontiers of our imagination and creating the need for new tools, adapted to the unknown worlds yet to conquer. As an engineer working in space technology research, my work is to invent those tools.

Ma réflexion se construira autour de la création de nouvelles technologies spatiales. Je souhaite présenter mon travail d’ingénieure comme un processus de création collaboratif : non pas issu de chercheurs individuels, mais émergeant d’un réseau de compétences tendues vers la concrétisation d’idées en machines. Autour d’une machine gravite une constellation de représentations qui, dans leur diversité, constituent les différentes facettes de l’essence de cet objet. Acquérir, comprendre, inventer les langages qui sous-tendent ces représentations : c’est la pratique de l’ingénieur·e. Cette constellation de systèmes de représentation/de langage se place au centre de l’attention de l’ingénieur. Entre carte de géographie et recette de cuisine, les représentations de ces artefacts en-devenir sont le lien entre l’image mentale de leur créateur·ice, et la fabrication concrète de la machine. Olfa Lopez a organisé un workshop de 4 jours précédant à la séance de Physical Poetics où les différents participants découvriront la création d’une expérience scientifique pour la recherche spatiale, organisée autour des représentations qui pavent sa matérialisation. Confrontés à cette machine créée pour l’espace et testée en apesanteur, les participants en proposeront leur propre représentation. L’objectif du workshop est de présenter la science comme un dialogue sans cesse renouvelé ; un dialogue vieux comme l’humanité qui continue jusqu’à aujourd’hui. Une définition bien loin des vérités prémâchées avec lequel elle est souvent confondue. Ce qui émergera de cet atelier sera présenté à Physical Poetics #4.

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Olfa Lopez est chercheuse, prépare une thèse de doctorat au RWTH d’Aix-la-Chapelle (Allemagne) et travaille à l’Institut de Physique des Matériaux Spatiaux au German Aerospace Center (Cologne, Allemagne). Sa recherche cherche à comprendre le flux des matériaux granulaires dans des contextes de zero gravité, et à appliquer ce savoir à l’invention de processus, en vue de contrôler et d’imprimer en 3D des poudres dans l’espace. Née à Paris en 1992, elle détient un master en ingénierie de l’Université technique de Luleå (LTU, Suède), un master en sciences des matériaux (EEIGM, France) et un MBA (Université de Lorraine, France). Olfa Lopez a obtenu une bourse Network/ Partnering Initiative de l’European Space Agency (ESA) pour son travail doctoral, et une bourse Fly Your Thesis! 2019 de la part de ESA pour son projet sur l’impression en 3D. Dans ce cadre, elle gère une équipe interdisciplinaire d’étudiants en ingénierie, physique et sociologie.

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Thomas Voigtmann : Modèles de matières

Il y a une beauté minimaliste frappante dans notre description mathématique de l’espace-temps et de la gravité à l’échelle cosmologique, où seulement quelques principes physiques demeurent pertinents. À l’échelle humaine cependant, une myriade de détails conspirent à déterminer le comportement des matériaux autour de nous. En tant que physicien théoricien, je suis à la recherche du langage mathématique en vue de formaliser de tels comportements. Je présenterai ma pratique de physique théorique comme l’art de faire des représentations abstraites de phénomènes physiques : cad. en omettant un maximum de détails possible, afin de préserver l’essence de ce qu’on veut décrire. Ceci implique de choisir un point de vue à partir duquel déconstruire l’observation. À côte de l’élégance mathématique, l’expérience de tous les jours nous guide à en faire ainsi – mais c’est exactement ce préconçu que nous devons interroger afin de comprendre comment des matériaux se comportent dans des conditions non-familières, comme dans celles de zéro gravité. À travers l’étude de matériaux familiers dont on s’entoure mais qui souvent échappent à notre attention, comme des liquides, des émulsions ou du sable, j’adresserai la dualité entre des principes premiers et le savoir empirique de représentations qualitatives et quantitatives. Chacune de ces catégories expriment des aspects de savoir spécifiques qui ont la même pertinence et se complètent, afin d’embrasser l’entièreté de la matière. À la fin, ces exemples ne font que mettre en relief que la science n’est pas une accumulation linéaire d’un savoir qui progresse sans cesse, mais plutôt une méthode qui rassemble plusieurs formes de savoir qui, pour chaque question à laquelle elle répond avec succès, réussit à en poser au moins deux nouvelles.

Thomas Voigtmann travaille en tant que chercheur en physique théorique sur la déformation et le flux de matériaux doux. Il construit des modèles mathématiques qui partent des constituants microscopiques du matériau, qu’il lie ensuite, par le moyen de modèles d’ordinateur, à des descriptions d’un continuum macroscopique. Un tel modèle couvre un large spectre d’échelles temporelles et spatiales, où l’information passe du petit/rapide au large/lent pour revenir au petit/rapide. Né en 1975 à Wiesbaden (Allemagne), il détient un PhD en Physique du Technische Universität München (2003) et travaille depuis 2014 comme professeur à l’Université de Düsseldorf (Allemagne) et à l’Institut des matériaux physiques dans l’espace au German Aerospace Centre à Cologne. Thomas Voigtmann a (co) publié une 90aine d’articles. Il a présenté son travail ainsi que des sujets avoisinants à des conférences scientifiques et des événements publics partout dans le monde. Il a reçu plusieurs bourses de recherche, deux prix pour son enseignement à l’Université de Konstanz, ainsi qu’une reconnaissance en tant que Référence Exceptionnelle du American Physical Society. Il est membre du comité de sélection pour Le Collège interdisciplinaire de l’Avenir, où il a été chercheur et est membre du comité exécutif.

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Krassimir Terziev : Vues Parallaxes

L’année où l’homme posait pour la première fois le pied sur la Lune, dans une fusion sublime entre imaginaire humain et capacité technique, était également mon année de naissance à l’est du Rideau de Fer, au milieu des montagnes du Space Rase. Dans le cadre de ma présentation, je vais montrer et commenter une série de projets qui travaillent sur (et avec) l’imagerie de la présence de l’homme dans l’espace. Il semble au premier abord qu’avec cette imagerie je n’offre qu’un voyage qui paraît se dérouler dans le cosmos. Mais, en réalité, il s’agit d’un voyage à perspectives multiples, une dérive dans la virtualité réelle (vivant avec des images des réseaux digitaux), où le passage de la perspective humaine (niveau de l’oeil) à la perspective du satellite dans la distance de la stratosphère, la rareté d’oxygène (l’immatérialité de l’expérience online) et l’absence de sol solide sous les pieds (virtualité réelle), a conduit à l’état paradoxal où tout dans ce monde semble être intimement proche, à longueur de bras, à un clic d’écran, et, à la fois, cosmiquement distant. L’image dans ce voyage (ou dérive) est à la fois un objet avec une origine historique et un médium à partir duquel projeter des possibilités. J’offre un double mouvement : en avant, vers le présent, et en arrière, vers tout ce qui était un jour l’avenir. ____

Krassimir Terziev (Dobrich, °1969, Bulgaria) est un artiste et chercheur interdisciplinaire dont le travail utilise une diversité de médias, incluant la vidéo/le film, la photographie, la peinture/le dessin et le texte, pour questionner les frontières entre la réalité et la fiction, tout en explorant les transitions et les tensions entre un monde globalisé, dominé par une multiplicité d’imageries symboliques, et ses ancrages dans du ‘matériel’ technologique, physique et humain. Il détient un PhD en Anthropologie Culturelle de l’Université de Sofia (2012) et un master en peinture du National Academy of the Arts, Sofia (1997). Son travail fait partie des collections du Centre Pompidou/MNAM, Arteast 2000+ Collection, Moderna Galerija Ljubljana,… parmi d’autres. Terziev a exposé et montré son travail internationalement dans des musées, des festivals et des galeries. Il a reçu le Unlimited Award for Contemporary Bulgarian Art (2011), et le prix Gaudenz Ruf for New Bulgarian Art (2007). Il vit et travaille à Sofia.

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Thomas Olbrechts  : Inertia A & B

Thomas Olbrechts (°1975 / Bruxelles) est un musicien indépendant pour saxophone alto ainsi qu’un compositeur (instant) pour saxophone alto. Il a développé (reFLEXible, Champ d'Action, DRY SPEED...) un discours musical puissant confrontant des techniques rigides de saxophone et des systèmes de composition. En tant que saxophoniste alto pur sang, il explore les dynamiques les plus extrêmes, subtils, austères et abstraits, couvrant un spectre qui va de sons introvertis quasiment inaudibles à des séquences criantes, ou des façons de jouer explicitement liées à la tradition de la musique contemporaine et du jazz. T.O. utilise des micros pour amplifier l’intérieur du saxophone et des panoramiques gauche-droite pour projeter ses sons sur différents baffles. En tant que soloïste, il explore souvent les possibilités dynamiques de l’amplification architecturale. En janvier 2019 son premier album solo est sorti chez seminalrecords/ Brasil: https://seminalrecords.bandcamp.com/album/inertia-3. L’Album contient 10 pièces solo + 1 pièce pour ensemble (https://soundcloud.com/tags/thomas%20olbrechts).

Thomas Olbrechts composera pour Physical Poetics #4 deux pièces en rapport avec la problématique de la micro-gravité. Inertia est le titre de son album solo, dont il donnera ici une re-composition. Inertia B fonctionnera comme contrepoint à Inertia A.

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Hugo Bonnet-Massip : Aspire

Hugo Bonnet-Massip est illustrateur et sérigraphe. Diplômé de l'Institut Supérieur des Arts de Toulouse et de L'École de Recherche Graphique à Bruxelles, il poursuit sa recherche sur les imaginaires stellaires. L'exploration spatiale, à ses balbutiements techniques au 16e siècle, se narre surtout à travers un imaginaire poétique ̶ les lunettes d'observation n'étant pas assez puissantes pour déceler les parcelles de la lune et de l'univers. Kepler, pionnier de l'observation lunaire, écrit une fable scientifique. Ainsi, une description précise des habitants de cette Lune y est faite, portrait de "martiens" habitant la Lune en parallèle à son traité d'astronomie. La rêverie poétique à laquelle est emprunté l'exploration spatiale, de part la nature de cette science, permet à Hugo Bonnet Massip de créer des mondes peuplés d'ailleurs, et d'étudier le rapport entre les mondes connus et ceux à imaginer. Au-delà de son travail d'illustrateur, il réalise des video-documentaires et des installations recoupant son intérêt non seulement pour l'art mais aussi pour la science. (Sinem Sahindokuyucu) Aspire (Vidéo 12min)

Il s’agit d’un court métrage qui souhaite ouvrir un débat sur les débris spatiaux. Depuis le début de la conquête spatiale, des millions de débris ne sont pas retombés pour fondre dans l’atmosphère. En orbite autour de la Terre, ils se croisent, se multiplient par collisions et créent une barrière pour les futurs lancements de la Nasa, l’ESA ou d’autres agences spatiales. Aspire veut montrer ce monde invisible au-dessus de notre tête. L’aspirateur, symbole de nettoyage, est là pour essayer de sauver cette Terre de ces débris. Et ça se casse la gueule, ça ne tient pas, c’est absurde. C’est aussi par la voie de l’humour qu’Aspire trouve son salut.

Ce court métrage se veut être une ode à l’amateurisme, rassemblant des curieux sur un projet spatial. Filmé par 7 personnes et des machines, il veut montrer le possible des choses. Qu’au final, c’est simple de toucher l’espace du bout des doigts.

Physical Poetics est un programme proposé par Alexander Schellow et Elke de Rijcke, soutenu par l’erg.

L’exposition à la Galerie ouvrira le 19 février à 6 pm, et restera accessible jusqu’au 21 février. Olfa Lopez, Krassimir Terziev et Hugo Bonnet-Massip y présentent des vidéos et d’autres oeuvres, parallèle à la soirée de PP#4.

Physical Poetics #5

La 5e édition de Physical Poetics (http://www.physicalpoetics.com/), imaginée autour de la problématique de la ponctuation, aurait dû avoir lieu à l’erg ce 15 décembre 2020. Pour cette soirée, nous avions invité des chercheurs, artistes, écrivains et musiciens. L’idée était de partir de l’excellent livre du philosophe et écrivain Peter Szendy, A coups de points, La ponctuation comme expérience (eds. de Minuit, 2013). Mais l’événement a dû être annulé. Cependant, Peter Szendy sera avec nous ce mardi 15 décembre 2020 à 7pm pour réfléchir sur cette annulation, sur les conséquences du lockdown pour les pratiques artistiques et les pratiques humaines en général, ainsi que sur certaines propositions de son dernier livre Le Supermarché du visible (Eds. de Minuit, 2017). La rencontre aura lieu sous forme d’entretien (Alexander Schellow et Elke de Rijcke) et sera disponible en streaming sur erg-tv.

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The 5th edition of Physical Poetics (http://www.physicalpoetics.com/), conceived around the problem of punctuation, should have taken place at the erg on 15 December 2020. For this evening, we had invited researchers, artists, writers and musicians. The idea was to take as a starting point an important book by the philosopher and writer Peter Szendy : A coups de points, La ponctuation comme expérience (eds. de Minuit, 2013). Due to COVID the event had to be cancelled. However, Peter Szendy will be with us on Tuesday 15 December 2020 at 7pm to reflect on this cancellation, on the consequences of the lockdown for artistic and human practices in general, and on some related reflections from his latest book The Supermarket of the Visible (Eds. de Minuit, 2017). The meeting will take place in the form of an interview (Alexander Schellow and Elke de Rijcke) and will be available in streaming on ergTV.