Program Physical Poetics - Historique des versions

Sammy le 8 décembre 2022 à 11:22

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‎Physical Poetics #2

Sammy le 16 août 2021 à 10:50

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===Physical Poetics #1==

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Physical Poetics propose une plateforme où arts, sciences et littérature se rencontrent. En 2018-2019, nous proposons à l’erg trois événements/expériences à couches multiples, selon un format particulier à chaque soirée. Notre objectif est de mettre en résonance des artistes, scientifiques, penseurs, écrivains, traducteurs et chercheurs tous domaines, qui développent un travail original, novateur et de grande qualité. Notre intérêt spécifique va à la création d’une plateforme de création et de recherche à Bruxelles, où nous souhaitons présenter des processus de travail à haute valeur poétique.

Physical Poetics #1 aura lieu le 4 octobre 2018 à 7 PM à l’Auditoire erg, rue du Page 87, 1060 Bruxelles.

Pour Physical Poetics #1, nous avons invité Giovanni Frazzetto (médecin et neuroscientifique, Irlande), Eva Meyer-Keller (performance artist, Berlin), Rares Craiut et Mana Constantinescu (food artists), et Gabriel Franjou (ergote radio, dj).

Giovanni Frazzetto

L’Art et la science des émotions

Ma participation à Physical Poetics est motivée par la rencontre entre arts et sciences, en vue de mieux comprendre nos émotions.

L’émotion se prête à une enquête transdisciplinaire car elle constitue un objet d’étude dans plusieurs domaines de la production du savoir. Elle est une réponse corporelle à des circonstances externes, tout comme une marque d’expression de soi ; elle investit les territoires de l’art, prend part à la langue, informe et émerge des cadres collectifs de conscience, et cela à travers les peuples, les temps et les contextes.

Dans mon intervention, je vais aborder ce qu’on peut apprendre des enseignements d’expériences dans le domaine de la psychologie et des neurosciences, tout comme ce que nous instruisent les savoirs et pratiques dans le domaine des arts et des sciences humaines pour pouvoir expérimenter notre vie émotionnelle.

En mélangeant des histoires et des expériences du laboratoire, je vais m’étendre sur la culpabilité, l’angoisse, la tristesse, la joie, l’amour et le phénomène de l’empathie. J’aborderai des problématiques comme la production d’images, la biographie et l’individualité, la créativité et la synchronicité, telles qu’elles apparaissent dans l’art du portrait, le cinéma, la philosophie, la photographie, la composition poétique, la performance, le théâtre et le design technologique.

°
Giovanni Frazzetto a grandi en Sicile. Il a fait ses études à Londres et a obtenu un PhD du Laboratoire Européen en Biologie Moléculaire à Heidelberg. Il a travaillé sur les rapports entre sciences, arts et sciences humaines, et a été chercheur au Berlin Institue for Advanced Studies. Son premier livre, How We Feel (Comment nous sentons), a été sélectionné parmi les meilleurs livres en Psychologie par Guardian en 2013 et a été publié en plus de 12 pays. Il est aussi l’auteur de Together, Closer : Stories of Intimacy in Friendship, Love and Family (2018).

Eva Meyer-Keller

Peser les perspectives

Dans cette lecture performance, je voudrais partager ma recherche artistique récente dans le domaine de la biologie moléculaire. Je prévois de performer certains éléments en live, de montrer des extraits de vidéo et de photos, ainsi que de parler au sujet des histoires, questions et observations rencontrées jusqu’à présent.

Mon travail a examiné en profondeur le rapport entre arts et sciences. Je les comprends comme des approches spécifiques en vue de tester et d’évaluer le monde autour de nous. Je suis convaincue qu’une approche intuitive, qui naît au milieu même des choses ─ matérielles et physiques –, peut créer par voie expérimentale du savoir alternatif dans le sens plein du mot, et que des systèmes, des constructions et des modèles scientifiques sont plus proches de la spéculation ou de la performativité qu’ils ne le semblent à première vue.

En tant que non-initiés, nous savons en général très peu sur la façon dont le savoir est généré dans le champ de la biologie moléculaire, comment les choses sont observées, ou quelle est la nature précise des expériences. Dans ce vide, nos idées sont influencées soit par des discours autour de l’innovation et de l’optimisation, soit par des dystopies futuristes (autour du clonage par ex). Ma présentation souhaite créer un espace sensoriel en vue d’expérimenter, de poser des questions et d’intensifier la conscience de ce que nous faisons quand nous essayons de comprendre ‘la vie’.

Je m’intéresse à la nature haptique et à la matérialité de leur environnement professionnel. Leur expérience concrète et sensorielle est indispensable à notre transposition enjouée d’environnements de recherche, et je prévois de mettre en contraste les conditions délibérément stériles et objectives du labo, et nos conditions rudes, sales et basiques de la scène. Je me propose également d’observer les procédures qui déterminent comment le matériel biologique est préparé avant d’être observé à travers le microscope. Je vais traduire des procédures en utilisant des matériaux quotidiens. À travers ce type d’investigations absurdes, un savoir non espéré pourrait être obtenu.

°
Eva Meyer-Keller (*1972) vit et travaille à Berlin. Elle travaille à l’interface de la chorégraphie, la performance et les arts visuels, et a une fascination pour les sciences naturelles et les approches transdisciplinaires. Son travail artistique se caractérise par une attention méticuleuse au détail. Eva utilise souvent des objets quotidiens, trouvés chez elle, au supermarché ou dans la cabane de jardin, ce qui donne à son travail une esthétique obsessive et domestique. Sa méthode de travail est marquée par une négation constructive de toute sorte de frontière entre les arts visuels et performatifs. Durant son parcours artistique, Eva a développé un nombre de performances solos et en groupe, tout comme des formats prévus pour des expositions, installations, films et workshops. Elle développe ses projets seule, ou en collaboration avec d’autres artistes.

Rareș Augustin Crăiuț

Anximentara

Durant la dernière décennie du socialisme roumain, la majeure partie de la population partageait et contribuait à une sensation généralisée d’angoisse. D’une part, il y avait des pénuries constantes de nourriture, de chauffage, d’électricité, etc… D’autre part, la Roumanie comptait parmi les états policiers les plus stricts, armé d’une police secrète qui donnait l’impression d’être présente partout, de sorte que n’importe quelle plainte ─ publique ou privée ─ pouvait avoir d’énormes conséquences, de la prison à pire.

« Alimentara » était le nom du système de magasins de distribution de nourriture. Centralisés et appartenant à l’Etat, ils étaient souvent vides, ou offraient seulement quelques (et toujours les mêmes) produits dont tout le monde avait marre. Ils formaient un réseau de magasins semi-vides pleins de jars, dont tout le monde devenait malade, mais qui pourraient éventuellement offrir du soulagement dans l’absence de tout autre chose. Les vendeurs de ces magasins, disposant de beaucoup de temps et avec des jars dans leurs mains, construisaient des structures et des dispositifs élaborés. Des rayons et des rayons de jars, construits les uns sur les autres, rappelant à chacun que le temps dans les régimes socialistes/communistes était immuable. Une sérialité qui n’annonçait jamais quelque chose de bien, que ce soit à manger ou autre chose.

La fenêtre « Alimentara » émerge comme un dispositif d’angoisse liée à la nourriture. L’occupation maniacale de construire des dispositifs de nourriture à partir de jars, revient à une sorte de thérapie occupationnelle qui remplace la nourriture d’angoisse ou d’autres mécanismes copiant l’angoisse. Des totems de jars socialistes à la sauce de tomates, renvoyant à des frustrations ou des angoisses alimentaires. Des jars liés au temps de l’angoisse.

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Rares Augustin Craiut est un chercheur artistique, performeur, chef et représentant de la société civile. Il a étudié le théâtre en Roumanie à l’Université de Babes-Bolyai, puis la performance et la recherche artistique à a.pass à Bruxelles. Son travail est pour la majeure partie lié à la nourriture et la performance, développant de nouveaux modes de se nourrir, et de nouvelles façons de percevoir l’alimentation depuis une perspective responsable. Depuis 2013, Rares développe une recherche artistique intitulée ‘’performing food’’ (www.performingfood.com), qui examine la consommation de nourriture à travers l’expérimentation artistique et la cuisine, depuis des points de vue à la fois matériels et conceptuels.

Maria-Elena Constantinescu

Guilt Portraits

La culpabilité est la base de l’éducation et de la morale judéo-chrétienne. Utilisée par les médias et amplifiée par les réseaux sociaux, le sentiment de culpabilité nous affecte dans beaucoup de domaines, notamment dans tout ce qui touche au plaisir en général, et à l’alimentation en particulier.
Mana transforme des entretiens, des fragments de textes et des monologues cinématographiques en une expérience multisensorielle en résonance avec le vécu des participants. Guilt est un travail qui prolonge le projet du Comfort Food Continuum, mais dans une perspective opposée. La performance se déroulera dans un espace à la fois intime et public, où l’audience sera invitée à se (dé)couvrir et analyser la culpabilité en lien avec la nourriture.

°
Née à Bucarest, Mana vit et travaille à Bruxelles depuis 1992. Après des études aux Beaux-Arts, elle commence à travailler comme illustratrice et directrice artistique. Depuis les années 2000, elle développe un lien de plus en plus profond avec le « food » comme médium, à travers la photo, le stylisme, le food design et la direction artistique culinaire. Éclectique et curieuse, Mana explore les rapports intimes entre la nourriture, les rituels de préparation et de consommation, la mémoire et l’affect. Elle a collaboré aux ateliers OLP (objet littéraire plastique), à la scénographie de boxes culinaires de chefs (Culinaria), à la création d'un pop-up restaurant « Bruxelles, l'immigration et leurs cultures culinaires » . Elle a créé une installation gustative au magasin Relax Factory (Design September). En 2016, elle a participé avec Rares Craiut et Xavier Gorgol au projet artistique, social et poétique Comfort Food Continuum, à Baia Mare en Roumanie.

Gabriel Franjou

Ergote Radio propose dans un premier temps un soundscape pour accompagner la conférence, une postproduction de l'album Providence de Nathan Fake sorti en 2017, dont les thèmes, les sons électriques et grouillants, et la profonde force émotionnelle seront récupérés. Puis, dans un second temps, une sélection de sons et musiques qui joue avec les codes de la chanson émotionnelle."

Jeudi 4 octobre 2018
Audi erg, rue du Page 87, Ixelles
7-10 PM

Physical Poetics #1 est un programme proposé par Alexander Schellow et Elke de Rijcke, soutenu par l’erg.

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Physical Poetics : Program #1

Physical Poetics offers a platform where practices within the arts, science and literature step in resonance towards each other. In 2018-2019, we propose three events / multi-layered experiences, unfolding each time as a particular format. Our goal is to bring together artists, scientists, thinkers, writers, translators and researchers from various fields, who develop for this occasion original propositions. Our interest lies in the creation of a particular place for practice and research in Brussels, where we wish to produce and present working processes with a specific poetic value.

Physical Poetics # 1 will be held on October 4, 2018 at 7 PM at the Auditorium of the erg, rue du Page 87, 1060 Brussels.

For Physical Poetics # 1, we invited Giovanni Frazzetto (doctor and neuroscientist, Ireland), Eva Meyer-Keller (performance artist, Berlin), Rares Craiut and Mana Constantinescu (food artists, Romania/Belgium), and Gabriel Franjou (ergote radio / dj, Belgium).

Giovanni Frazzetto

The Art and Science of Emotions

The overarching background to my participation in Physical Poetics is the encounter between art and science for the understanding of emotions.
Emotions lend themselves to transdisciplinary inquiry and enjoy manifold citizenship across territories of knowledge production. Emotions are bodily responses to external circumstances as well as outcomes of self-expression; they permeate art, partake of language, and inform as well as emerge from collective framings of consciousness, across peoples, time and contexts.
I will be addressing the question of what we can learn to experience our emotional life, by simultaneously drawing insights from experimentation in psychology and neuroscience and from knowledge and practice in diverse fields in art and the humanities.
Mixing storytelling with experience from the laboratory, I am going to tell of emotions such as guilt, anxiety, grief, joy, love and the phenomenon of empathy, addressing themes such as image production, biography and individuality, creativity and synchronicity, in portraiture, film, philosophy, photography, poetical composition, as well as performance, theatre and technological design.

°
Giovanni Frazzetto grew up in Sicily. He went to college in London and received a PhD from the European Molecular Biology Laboratory in Heidelberg. He has worked on the relationship between science, art and the humanities and was a Fellow at the Berlin Institute for Advanced Study. His first book, How We Feel, was among the 2013 Guardian Best Psychology Books and has been published in more than a dozen countries. He is also the author of Together, Closer: Stories of Intimacy in Friendship, Love and Family.

Eva Meyer-Keller

Pondering Perspectives

In this performance lecture I will share my artistic research of the last month into molecular biology. I plan to perform some elements live, show video excerpts and photographs and talk about the stories, questions and observations that I encountered so far.
My work has long examined the relationship between art and science. I understand both as specific ways of testing and evaluating the world around us. I am convinced that an intuitive approach, which begins in the realm of things – material and physical – can create alternative knowledge ‘experimentally’, in the full sense of the word and that scientific systems, constructs and models have more to do with speculation and performativity than is obvious at first sight.
As lay people, we usually know very little about how knowledge is generated in the field of molecular biology, how things are actually observed or what the nature of the experiments concretely are. In this vacuum, our ideas are influenced either by discourses around innovation and optimisation or futuristic dystopias (around cloning, for example). My presentation would like to provide a sensory space to experience, ask questions and to raise awareness of what we do when we try to understand ‘life’.
I am interested in the haptic nature and materiality of their professional environment.
Their concrete, sensory experience is indispensable to our playful transposition of research environments, contrasting the deliberately sterile, objective conditions of the lab with our rough, dirty, basic conditions on stage. I will e.g. look at procedures how biological material is prepared before it is even looked at through a microscope. I’m committed to translate these procedures using everyday materials. Through this kind of absurd investigation a yet unexpected knowledge might be obtained.

°
Eva Meyer-Keller (*1972) lives and works in Berlin. She works at the interface of choreography, performance and visual art and has a fascination for natural sciences and trans-disciplinary approaches. Her artwork is distinguished by its meticulous attention to detail. Eva often uses everyday objects from her immediate surroundings, things that she finds at home, in the supermarket or in the toolshed. This lends the work an obsessive, domestic aesthetic. Her working method is marked by a constructive disregard for the imposition of any boundary between visual and performing arts. Throughout her artistic career, Eva has developed a number of solo and group performance pieces, as well as exhibition, installations, films and workshop formats. Eva develops projects alone and in collaboration with other artists.

Rareș Augustin Crăiuț

Anximentara

During the last decade of Romanian socialism most of the population was sharing and contributing to a generalised sense of anxiety. On the one hand there were all the food, heat, electricity etc. shortages, and on the other hand Romania was one of the heaviest policed states, with the secret police giving the impression that they are everywhere and anywhere and any complaint, public or private, could have severe results, from jail time to even worse.

« Alimentara » was the state owned, centralised, food distribution shop system and was very often empty or with the same few products that everyone had grown tired of. A network of semi-empty stores full of jars that everyone had grown sick and tired of but which would eventually provide solace in the absence of anything else. With a lot of time and jars on their hands the shop sellers built elaborate structures and displays. Rows and rows of the same jars, built on top of each other, reminding everyone that time in socialism/communism is the same and forever. A seriality that never announced anything good, to eat or otherwise.

The « Alimentara » window emerges as a food related anxiety display. The maniacal occupation of building up the food display out of jars stands for a kind of occupational therapy replacing anxiety eating or other anxiety coping mechanisms. Socialist pop tomato paste jar totems of food frustrations and anxiety. Anxiety-time-jars.

°
Rareş Augustin Crãiuţ is an artistic researcher, performer, chef and civil society representative. He studied theatre in Romania at the Babes-Bolyai University and performance and artistic research at a.pass in Brussels. His work is mostly related to food and performance the possibilities opened up to developing new modes of eating and new ways of perceiving food from a responsible perspective. Since 2013 Rares is working on developing a food and performance artistic research titled ‘’performing food’’ (www.performingfood.com) examining through artistic experimentation and cuisine the consumption of food from both material and conceptual points of view.

Maria-Elena Constantinescu

Guilt Portraits

Guilt is the basis of Jewish-Christian education and morality. Used by the media and amplified by social networks, the feeling of guilt affects us in many areas, including those related to pleasure in general, and to food in particular.

Mana transforms interviews, text fragments and film monologues into a multisensory experience that resonates with the experiences of the participants. "Guilt" is a work that extends the "Comfort Food Continuum", but from an opposite perspective. The performance will take place in a space that is both intimate and public, and the audience will be invited to discover and reflect the culpability of the food.

°
Born in Bucharest, Mana has lived and worked in Brussels since 1992. After studying Fine Arts, she began working as an illustrator and artistic director. Since the 2000s, she has developed a deeper link with food as a medium, through photography, fashion design, food design and culinary art direction. Eclectic and curious, Mana explores the intimate relationships between food, rituals of preparation, consumption, memory and affect. She has collaborated with the OLP workshops (plastic literary object), with the scenography of culinary boxes of chefs (Culinaria), with the creation of a pop-up restaurant "Brussels, immigtation and their culinary cultures”. She created a taste installation at the Relax Factory store (Design September). In 2016, she participated with Rares Craiut and Xavier Gorgol within the artistic, social and poetic project "Comfort Food Continuum", taking place in Baia Mare, Romania.

Gabriel Franjou

Ergote Radio offers a sound component to the conference, first a selection of emotionally charged sounds in response to the words of Giovanni Frazzeto, and secondly an acoustic animation of the evening.

°
Gabriel René Franjou, French-American, enters the erg in 2014. His practice questions the nature and the value of affects in the digital world.

Thursday October 4th 2018
Audi erg, rue du Page 87, Ixelles
7-10 PM

Physical Poetics # 1 is a program proposed by [[Alexander Schellow]] and [[Elke de Rijcke]], supported by the erg.

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Dates : mercredi 14 novembre : Audi Page, 19h-22h
Nombre de participant.e.s : non précisé
Enseignant.e.s responsables : Elke de Rijcke & Alexander Schellow.
inscripition : elke.derijcke@gmail.com

Dans cette seconde soirée de Physical Poetics, nous vous invitons à découvrir trois intervenants issus de champs différents qui, chacun à leur manière, se rapporteront à la problématique du plagiat, la citation et l’auto-citation. Stéphane Bouquet, poète et essayiste, s’arrêtera dans sa lecture-conférence Comme dit l’autre… au statut de la citation et de ses dérivés en littérature. Daniel Linehan, chorégraphe (Hiatus), proposera dans Réfléchir sur un Corps de Travail une chorégraphie sur les traces de mouvements de danses (citées, tronquées, imaginées), restées dans son corps après 15 ans de performances. Daniel Dariel, musicien, s’engagera de son côté dans un concert sur le rapport au plagiat. Le tout sera arrosé vers la fin par un verre de mojito, aussi bien que possible plagié.

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	The 5th edition of Physical Poetics (http://www.physicalpoetics.com/), conceived around the problem of punctuation, should have taken place at the erg on 15 December 2020. For this evening, we had invited researchers, artists, writers and musicians. The idea was to take as a starting point an important book by the philosopher and writer Peter Szendy : A coups de points, La ponctuation comme expérience (eds. de Minuit, 2013). Due to COVID the event had to be cancelled. However, Peter Szendy will be with us on Tuesday 15 December 2020 at 7pm to reflect on this cancellation, on the consequences of the lockdown for artistic and human practices in general, and on some related reflections from his latest book The Supermarket of the Visible (Eds. de Minuit, 2017). The meeting will take place in the form of an interview ([[Alexander Schellow]] and [[Elke de Rijcke]]) and will be available in streaming on [[Erg tv\|ergTV]].		The 5th edition of Physical Poetics (http://www.physicalpoetics.com/), conceived around the problem of punctuation, should have taken place at the erg on 15 December 2020. For this evening, we had invited researchers, artists, writers and musicians. The idea was to take as a starting point an important book by the philosopher and writer Peter Szendy : A coups de points, La ponctuation comme expérience (eds. de Minuit, 2013). Due to COVID the event had to be cancelled. However, Peter Szendy will be with us on Tuesday 15 December 2020 at 7pm to reflect on this cancellation, on the consequences of the lockdown for artistic and human practices in general, and on some related reflections from his latest book The Supermarket of the Visible (Eds. de Minuit, 2017). The meeting will take place in the form of an interview ([[Alexander Schellow]] and [[Elke de Rijcke]]) and will be available in streaming on [[Erg tv\|ergTV]].
		+
		+	[[Catégorie:Espaces transversaux]]

@@ Ligne 189 : / Ligne 189 : @@
 plagiat, auto-plagiat, citation, auto-citation
-Stéphane Bouquet
+'''Stéphane Bouquet'''
 Comme dit l’autre…
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 Cette lecture-conférence (mixte comme son nom l'indique de lecture et de conférence) proposera quelques pistes de réponses.
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+'''Daniel Linehan'''
 Réfléchir sur un Corps de Travail
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 Daniel Linehan (1982) a étudié la danse à Seattle, puis s’est installé en 2004 à NY où il a travaillé professionnellement comme danseur et chorégraphe. En 2008, Linehan s’installe à Bruxelles, où il complète son cycle de recherche à P.A.R .T.S et établira sa compagnie de danse Hiatus. Le travail chorégraphique de Daniel Linehan se propose d’effacer subtilement la frontière entre la danse et toute autre type d’activité. Il aborde la création d’une performance du point de vue d’un amateur curieux, teste plusieurs types d’interactions entre formes de danse et non-danse, va à la recherche de conjonctions, de juxtapositions inattendues et de parrallèles entre textes, mouvements, images, chansons, vidéos et rythmes. Ses œuvres récentes créées en Belgique incluent Un Sacre du Printemps (2015), dbddbb (2015), Flood (2017) et Third Space (2018). Depuis 2015, Hiatus est soutenu par les autorités flamandes. Daniel Linehan est Creative Associate au Singel International Art Campus 2017-2021.
+'''Daniel Dariel'''
 Concert : "ma chambre est au troisième"
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 suivi d’un drink, plagiat d’un cocktail réputé (sld Tom Valckenaere)
 mercredi 14 novembre 2018

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	Artistes : Léonard Dufois, Nicolas Prignot, Gosie Vervloessem, David Weber-Krebs		Artistes : Léonard Dufois, Nicolas Prignot, Gosie Vervloessem, David Weber-Krebs
	Coordination technique : Hélène Bernard et Frédéric Dupont		Coordination technique : Hélène Bernard et Frédéric Dupont
		+
		+	===Physical Poetics #4===
		+
		+	'''MICRO-GRAVITIES'''
		+
		+	[[Erg Galerie]] et Auditorium
		+
		+	'''Mercredi, 19 Février 2020, 7:00 pm'''
		+	____
		+
		+	{{vimeo\|400876015}}
		+
		+	Olfa Lopez : Objet de l’espace
		+
		+	The fascination of humankind for space has driven us to wonder, reflect and create for as long as humans can remember. It is now pushing us to broaden our reach into space. In this quest, the new environments we discover are forcing the frontiers of our imagination and creating the need for new tools, adapted to the unknown worlds yet to conquer. As an engineer working in space technology research, my work is to invent those tools.
		+
		+	Ma réflexion se construira autour de la création de nouvelles technologies spatiales. Je souhaite présenter mon travail d’ingénieure comme un processus de création collaboratif : non pas issu de chercheurs individuels, mais émergeant d’un réseau de compétences tendues vers la concrétisation d’idées en machines. Autour d’une machine gravite une constellation de représentations qui, dans leur diversité, constituent les différentes facettes de l’essence de cet objet. Acquérir, comprendre, inventer les langages qui sous-tendent ces représentations : c’est la pratique de l’ingénieur·e. Cette constellation de systèmes de représentation/de langage se place au centre de l’attention de l’ingénieur. Entre carte de géographie et recette de cuisine, les représentations de ces artefacts en-devenir sont le lien entre l’image mentale de leur créateur·ice, et la fabrication concrète de la machine. Olfa Lopez a organisé un workshop de 4 jours précédant à la séance de Physical Poetics où les différents participants découvriront la création d’une expérience scientifique pour la recherche spatiale, organisée autour des représentations qui pavent sa matérialisation. Confrontés à cette machine créée pour l’espace et testée en apesanteur, les participants en proposeront leur propre représentation. L’objectif du workshop est de présenter la science comme un dialogue sans cesse renouvelé ; un dialogue vieux comme l’humanité qui continue jusqu’à aujourd’hui. Une définition bien loin des vérités prémâchées avec lequel elle est souvent confondue. Ce qui émergera de cet atelier sera présenté à Physical Poetics #4.
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		+	'''Olfa Lopez''' est chercheuse, prépare une thèse de doctorat au RWTH d’Aix-la-Chapelle (Allemagne) et travaille à l’Institut de Physique des Matériaux Spatiaux au German Aerospace Center (Cologne, Allemagne). Sa recherche cherche à comprendre le flux des matériaux granulaires dans des contextes de zero gravité, et à appliquer ce savoir à l’invention de processus, en vue de contrôler et d’imprimer en 3D des poudres dans l’espace. Née à Paris en 1992, elle détient un master en ingénierie de l’Université technique de Luleå (LTU, Suède), un master en sciences des matériaux (EEIGM, France) et un MBA (Université de Lorraine, France). Olfa Lopez a obtenu une bourse Network/ Partnering Initiative de l’European Space Agency (ESA) pour son travail doctoral, et une bourse Fly Your Thesis! 2019 de la part de ESA pour son projet sur l’impression en 3D. Dans ce cadre, elle gère une équipe interdisciplinaire d’étudiants en ingénierie, physique et sociologie.
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		+	Thomas Voigtmann : Modèles de matières
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		+	Il y a une beauté minimaliste frappante dans notre description mathématique de l’espace-temps et de la gravité à l’échelle cosmologique, où seulement quelques principes physiques demeurent pertinents. À l’échelle humaine cependant, une myriade de détails conspirent à déterminer le comportement des matériaux autour de nous. En tant que physicien théoricien, je suis à la recherche du langage mathématique en vue de formaliser de tels comportements. Je présenterai ma pratique de physique théorique comme l’art de faire des représentations abstraites de phénomènes physiques : cad. en omettant un maximum de détails possible, afin de préserver l’essence de ce qu’on veut décrire. Ceci implique de choisir un point de vue à partir duquel déconstruire l’observation. À côte de l’élégance mathématique, l’expérience de tous les jours nous guide à en faire ainsi – mais c’est exactement ce préconçu que nous devons interroger afin de comprendre comment des matériaux se comportent dans des conditions non-familières, comme dans celles de zéro gravité. À travers l’étude de matériaux familiers dont on s’entoure mais qui souvent échappent à notre attention, comme des liquides, des émulsions ou du sable, j’adresserai la dualité entre des principes premiers et le savoir empirique de représentations qualitatives et quantitatives. Chacune de ces catégories expriment des aspects de savoir spécifiques qui ont la même pertinence et se complètent, afin d’embrasser l’entièreté de la matière. À la fin, ces exemples ne font que mettre en relief que la science n’est pas une accumulation linéaire d’un savoir qui progresse sans cesse, mais plutôt une méthode qui rassemble plusieurs formes de savoir qui, pour chaque question à laquelle elle répond avec succès, réussit à en poser au moins deux nouvelles.
		+
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		+	'''Thomas Voigtmann''' travaille en tant que chercheur en physique théorique sur la déformation et le flux de matériaux doux. Il construit des modèles mathématiques qui partent des constituants microscopiques du matériau, qu’il lie ensuite, par le moyen de modèles d’ordinateur, à des descriptions d’un continuum macroscopique. Un tel modèle couvre un large spectre d’échelles temporelles et spatiales, où l’information passe du petit/rapide au large/lent pour revenir au petit/rapide. Né en 1975 à Wiesbaden (Allemagne), il détient un PhD en Physique du Technische Universität München (2003) et travaille depuis 2014 comme professeur à l’Université de Düsseldorf (Allemagne) et à l’Institut des matériaux physiques dans l’espace au German Aerospace Centre à Cologne. Thomas Voigtmann a (co) publié une 90aine d’articles. Il a présenté son travail ainsi que des sujets avoisinants à des conférences scientifiques et des événements publics partout dans le monde. Il a reçu plusieurs bourses de recherche, deux prix pour son enseignement à l’Université de Konstanz, ainsi qu’une reconnaissance en tant que Référence Exceptionnelle du American Physical Society. Il est membre du comité de sélection pour Le Collège interdisciplinaire de l’Avenir, où il a été chercheur et est membre du comité exécutif.
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		+	Krassimir Terziev : Vues Parallaxes
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		+	L’année où l’homme posait pour la première fois le pied sur la Lune, dans une fusion sublime entre imaginaire humain et capacité technique, était également mon année de naissance à l’est du Rideau de Fer, au milieu des montagnes du Space Rase. Dans le cadre de ma présentation, je vais montrer et commenter une série de projets qui travaillent sur (et avec) l’imagerie de la présence de l’homme dans l’espace. Il semble au premier abord qu’avec cette imagerie je n’offre qu’un voyage qui paraît se dérouler dans le cosmos. Mais, en réalité, il s’agit d’un voyage à perspectives multiples, une dérive dans la virtualité réelle (vivant avec des images des réseaux digitaux), où le passage de la perspective humaine (niveau de l’oeil) à la perspective du satellite dans la distance de la stratosphère, la rareté d’oxygène (l’immatérialité de l’expérience online) et l’absence de sol solide sous les pieds (virtualité réelle), a conduit à l’état paradoxal où tout dans ce monde semble être intimement proche, à longueur de bras, à un clic d’écran, et, à la fois, cosmiquement distant. L’image dans ce voyage (ou dérive) est à la fois un objet avec une origine historique et un médium à partir duquel projeter des possibilités. J’offre un double mouvement : en avant, vers le présent, et en arrière, vers tout ce qui était un jour l’avenir. ____
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		+	'''Krassimir Terziev''' (Dobrich, °1969, Bulgaria) est un artiste et chercheur interdisciplinaire dont le travail utilise une diversité de médias, incluant la vidéo/le film, la photographie, la peinture/le dessin et le texte, pour questionner les frontières entre la réalité et la fiction, tout en explorant les transitions et les tensions entre un monde globalisé, dominé par une multiplicité d’imageries symboliques, et ses ancrages dans du ‘matériel’ technologique, physique et humain. Il détient un PhD en Anthropologie Culturelle de l’Université de Sofia (2012) et un master en peinture du National Academy of the Arts, Sofia (1997). Son travail fait partie des collections du Centre Pompidou/MNAM, Arteast 2000+ Collection, Moderna Galerija Ljubljana,… parmi d’autres. Terziev a exposé et montré son travail internationalement dans des musées, des festivals et des galeries. Il a reçu le Unlimited Award for Contemporary Bulgarian Art (2011), et le prix Gaudenz Ruf for New Bulgarian Art (2007). Il vit et travaille à Sofia.
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		+	Thomas Olbrechts : Inertia A & B
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		+	'''Thomas Olbrechts''' (°1975 / Bruxelles) est un musicien indépendant pour saxophone alto ainsi qu’un compositeur (instant) pour saxophone alto. Il a développé (reFLEXible, Champ d'Action, DRY SPEED...) un discours musical puissant confrontant des techniques rigides de saxophone et des systèmes de composition. En tant que saxophoniste alto pur sang, il explore les dynamiques les plus extrêmes, subtils, austères et abstraits, couvrant un spectre qui va de sons introvertis quasiment inaudibles à des séquences criantes, ou des façons de jouer explicitement liées à la tradition de la musique contemporaine et du jazz. T.O. utilise des micros pour amplifier l’intérieur du saxophone et des panoramiques gauche-droite pour projeter ses sons sur différents baffles. En tant que soloïste, il explore souvent les possibilités dynamiques de l’amplification architecturale. En janvier 2019 son premier album solo est sorti chez seminalrecords/ Brasil: https://seminalrecords.bandcamp.com/album/inertia-3. L’Album contient 10 pièces solo + 1 pièce pour ensemble (https://soundcloud.com/tags/thomas%20olbrechts).
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		+	Thomas Olbrechts composera pour Physical Poetics #4 deux pièces en rapport avec la problématique de la micro-gravité. Inertia est le titre de son album solo, dont il donnera ici une re-composition. Inertia B fonctionnera comme contrepoint à Inertia A.
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		+	Hugo Bonnet-Massip : Aspire
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		+	'''Hugo Bonnet-Massip''' est illustrateur et sérigraphe. Diplômé de l'Institut Supérieur des Arts de Toulouse et de L'École de Recherche Graphique à Bruxelles, il poursuit sa recherche sur les imaginaires stellaires. L'exploration spatiale, à ses balbutiements techniques au 16e siècle, se narre surtout à travers un imaginaire poétique ̶ les lunettes d'observation n'étant pas assez puissantes pour déceler les parcelles de la lune et de l'univers. Kepler, pionnier de l'observation lunaire, écrit une fable scientifique. Ainsi, une description précise des habitants de cette Lune y est faite, portrait de "martiens" habitant la Lune en parallèle à son traité d'astronomie. La rêverie poétique à laquelle est emprunté l'exploration spatiale, de part la nature de cette science, permet à Hugo Bonnet Massip de créer des mondes peuplés d'ailleurs, et d'étudier le rapport entre les mondes connus et ceux à imaginer. Au-delà de son travail d'illustrateur, il réalise des video-documentaires et des installations recoupant son intérêt non seulement pour l'art mais aussi pour la science. (Sinem Sahindokuyucu) Aspire (Vidéo 12min)
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		+	Il s’agit d’un court métrage qui souhaite ouvrir un débat sur les débris spatiaux. Depuis le début de la conquête spatiale, des millions de débris ne sont pas retombés pour fondre dans l’atmosphère. En orbite autour de la Terre, ils se croisent, se multiplient par collisions et créent une barrière pour les futurs lancements de la Nasa, l’ESA ou d’autres agences spatiales. Aspire veut montrer ce monde invisible au-dessus de notre tête. L’aspirateur, symbole de nettoyage, est là pour essayer de sauver cette Terre de ces débris. Et ça se casse la gueule, ça ne tient pas, c’est absurde. C’est aussi par la voie de l’humour qu’Aspire trouve son salut.
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		+	Ce court métrage se veut être une ode à l’amateurisme, rassemblant des curieux sur un projet spatial. Filmé par 7 personnes et des machines, il veut montrer le possible des choses. Qu’au final, c’est simple de toucher l’espace du bout des doigts.
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		+	[[Physical Poetics]] est un programme proposé par [[Alexander Schellow]] et [[Elke de Rijcke]], soutenu par l’erg.
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		+	L’exposition à la Galerie ouvrira le 19 février à 6 pm, et restera accessible jusqu’au 21 février. Olfa Lopez, Krassimir Terziev et Hugo Bonnet-Massip y présentent des vidéos et d’autres oeuvres, parallèle à la soirée de PP#4.
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		+	=== Physical Poetics #5===
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		+	La 5e édition de Physical Poetics (http://www.physicalpoetics.com/), imaginée autour de la problématique de la ponctuation, aurait dû avoir lieu à l’erg ce 15 décembre 2020. Pour cette soirée, nous avions invité des chercheurs, artistes, écrivains et musiciens. L’idée était de partir de l’excellent livre du philosophe et écrivain Peter Szendy, A coups de points, La ponctuation comme expérience (eds. de Minuit, 2013). Mais l’événement a dû être annulé. Cependant, Peter Szendy sera avec nous ce mardi 15 décembre 2020 à 7pm pour réfléchir sur cette annulation, sur les conséquences du lockdown pour les pratiques artistiques et les pratiques humaines en général, ainsi que sur certaines propositions de son dernier livre Le Supermarché du visible (Eds. de Minuit, 2017). La rencontre aura lieu sous forme d’entretien ([[Alexander Schellow]] et [[Elke de Rijcke]]) et sera disponible en streaming sur [[Erg tv\|erg-tv.]]
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		+	<span style="color:green">==========================================</span>
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		+	The 5th edition of Physical Poetics (http://www.physicalpoetics.com/), conceived around the problem of punctuation, should have taken place at the erg on 15 December 2020. For this evening, we had invited researchers, artists, writers and musicians. The idea was to take as a starting point an important book by the philosopher and writer Peter Szendy : A coups de points, La ponctuation comme expérience (eds. de Minuit, 2013). Due to COVID the event had to be cancelled. However, Peter Szendy will be with us on Tuesday 15 December 2020 at 7pm to reflect on this cancellation, on the consequences of the lockdown for artistic and human practices in general, and on some related reflections from his latest book The Supermarket of the Visible (Eds. de Minuit, 2017). The meeting will take place in the form of an interview ([[Alexander Schellow]] and [[Elke de Rijcke]]) and will be available in streaming on [[Erg tv\|ergTV]].

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−	~~{{Actualités~~
−	~~\|Subtitle=Physical Poetics - Program #1~~
−	~~\|Start=2018/10/04~~
−	~~\|End=2018/09/04~~
−	~~\|Published=2018/09/19~~
−	~~\|Image=Physical -1.jpeg~~
−	~~\|Description=Physical Poetics #1 : Programme~~

	{{vimeo\|298279266}}		{{vimeo\|298279266}}